Dalmore Still House Fenster
Alness, Schottland • Zehn Meter Schmelzglas in Bullseye Glas
Das Still House der Dalmore Distillery bot eine seltene architektonische Gelegenheit — eine turmhohe, nach Süden ausgerichtete Wand, durchflutet vom dynamischen Licht des Schottischen Hochlands, mit Blick auf den Cromarty Firth.
Im Auftrag von The Dalmore und in enger Zusammenarbeit mit Threesixty Architects aus Glasgow entwickelt, erstreckt sich dieses monumentale Schmelzglasfenster über zehn Meter vom Boden bis zur Decke. Es bildet heute den dramatischen visuellen Mittelpunkt eines der ehrgeizigsten Destillerieprojekte Schottlands.
Vollständig abstrakt und doch zutiefst erzählerisch, verfolgt das Kunstwerk die gesamte Reise des Whiskys — vom Terroir der Erde über Gerste und Destillation bis zur Reifung und dem ätherischen „Anteil der Engel". Hergestellt aus zerkleinertem Bullseye-Glasfrit, auf Tafelglas geschmolzen, enthält die Oberfläche Tausende winziger Linsen, die mit dem Licht interagieren und im Laufe des Tages ständig wechselnde Effekte erzeugen.
Dies ist keine bloße Dekoration. Es ist ein ortsspezifisches Kunstwerk, entworfen für dieses Gebäude, dieses Licht und diese Geschichte — bestimmt, für Generationen ein wesentlicher Bestandteil des Dalmore-Erlebnisses zu bleiben.
Dies ist mit großer Wahrscheinlichkeit das größte und ehrgeizigste neue Kunstglasfenster, das seit vielen Jahren für ein Gebäude in Schottland geschaffen wurde.
Das Brennhaus, Dalmore Destillerie, Alness — das Fenster am Ende der Reihe der Brennblasen
Dalmore Still House Window
Alness, Scotland • 2026
Dies ist das bedeutendste Fenster, das ich seit über zehn Jahren in Europa geschaffen habe.
Es ist etwas völlig Einzigartiges und Besonderes. Für dieses Projekt habe ich die Grenzen des Materials mit Bullseye Glas ausgelotet.
Das Still House der Dalmore Distillery bot eine seltene Gelegenheit — eine nach Süden ausgerichtete Wand, durchflutet vom sich ständig verändernden Hochlandlicht, mit Blick auf den Cromarty Firth.
Im Auftrag von Dalmore und in Zusammenarbeit mit Threesixty Architects entwickelt, bildet dieses zehn Meter lange Schmelzglas-Kunstwerk den visuellen Mittelpunkt der neuen Destillerieanlage.
Das Werk verfolgt die Reise des Whiskys von der Erde bis zum Glas — abstrakt und doch zutiefst erzählerisch, und es reagiert über den gesamten Tagesverlauf auf wunderschöne Weise auf das Licht.
Luceo non uro — Ich leuchte, ich brenne nicht
Das Motto von The Dalmore — und der Geist dieses Fensters.
Kunstglas kann einem Gebäude eine besondere Qualität verleihen. Mit Sensibilität für seinen Standort gestaltet, entsteht etwas Magisches — ein sakraler Raum. Für einen Künstler ist es ein Privileg, mit einem solchen Auftrag betraut zu werden. Es hängt von drei Dingen ab: einem Architekten, der das Gebäude entwirft, die Öffnung schafft und daran glaubt, was sie füllen könnte; einem Auftraggeber mit der Weitsicht, das Entwurfskonzept zu erkennen und den Mut, das Werk in Auftrag zu geben; und einem Gebäude, das etwas zu sagen hat.
Die Architekten sind Threesixty Architecture in Glasgow — kreative, großzügige Mitgestalter — und der Auftraggeber ist Dalmore, dessen eigene Vision für dieses Gebäude so ehrgeizig war wie alles, worauf ein Künstler antworten könnte. Es ist eine besondere Freude, dieses Werk für ein Gebäude in Schottland geschaffen zu haben.
In den meisten Kunstformen ist es schwierig, etwas wirklich Neues zu finden — ein Territorium, das noch unerforscht ist. Im Medium des Kunstglases ist dies nach wie vor möglich. Es kann entstehen, wenn Methoden oder Materialien, die neu oder bisher wenig genutzt sind, in eine kreative Untersuchung einbezogen werden. Was ich in diesem Werk erforsche, ist das Glasfusinieren — das Zusammenschmelzen von Glaselementen zu etwas Einheitlichem und Unwiderruflichem. Dies erfordert ein Glas, das speziell für diesen Zweck hergestellt wurde — und Bullseye Glass ist genau das. Dieses Fenster erkundet einige der tiefsten Möglichkeiten dieses Materials und seiner Potenziale.
Obwohl das Werk vollständig abstrakt ist, begann ich im Verlauf der Gestaltung Andeutungen von Landschaft und Whiskyherstellungsprozess darin aufscheinen zu sehen. Das Fenster liest sich nun von unten nach oben als eine Reise.
An der Basis ein Gefühl von Erde — das Terroir — durchzogen von Glaskieseln. Darüber die Keimung und das Wachstum der Gerste im Boden, das reine Wasser aus der Quelle und ein Gefühl des durchdringenden Sonnenlichts. Die Energie der Maische, und dann das dynamische Herz der Destillation — in der Mitte des Fensters als Visualisierung des Prozesses in den Brennblasen selbst konzipiert. Weiter aufsteigend: der Geist, der sich über Jahre der Reifung entwickelt — zunächst hell, im Aufsteigen zunehmend reicher und tiefer in der Farbe. Ganz oben deuten gerundete Glasjuwelen auf die Düfte und Aromen des Dalmore hin, eingebettet in eine blassgelbe Glasspitze aus Bernstein, die die langsame Verdunstung des Angel's Share andeutet. Die seitlichen Ränder tragen die Gegenwart des Wassers durch das gesamte Werk.
Das Fenster besteht vollständig aus Bullseye Glass — einem Glas, das speziell für das Fusinieren, das Zusammenschmelzen, konzipiert wurde. Die unteren Bereiche verwenden eine spitzenartige Struktur aus zerkleinertem Bullseye Glass in verschiedenen Körnungen; die oberen Bereiche bestehen aus geschnittenem Flachglas. Alles fusioniert zu zehn einzelnen Paneelen — jedes unwiderruflich, jedes einzigartig.
Der Architekt bemerkte, dass man am fernen Ende des Brennhauses stehen und das Fenster als Licht, Farbe und Komposition wahrnehmen kann — um dann die gesamte Länge des Gebäudes abzugehen und die Hände auf die unteren Bereiche zu legen und die Textur und das Relief des Glases unmittelbar zu spüren. Nur wenige Kunstwerke in diesem Maßstab laden so dazu ein.
Das Fenster lebt auch jenseits seines eigenen Rahmens. Seine Farben spiegeln sich in den Kupferbrennanlagen und verzerren sich über deren gekrümmte Oberflächen. Es bewegt sich im Metallboden. Es verändert sich, wenn das Licht im Laufe des Tages wechselt. Ein Fenster — und doch birgt der Raum unzählige Versionen davon.
Dieses Fenster wurde geschaffen, um genau das zu sein.
Reflexionen
John Kenneth Clark
Glass Artist
April 2026
Glas und Licht
im wechselnden Licht
Die Linsenqualität des fertig fusionierten Glases und die Veränderungen, die mit dem wechselnden Licht entstehen
Die Entstehung des Fensters
die Entstehung des Fensters
Dieses Video zeigt die wichtigsten Entstehungsphasen des Fensters.
Ich habe dieses Werk in einem Nebengebäude des Derix Studios geschaffen — fast vollständig allein. Es erforderte fünf Monate nahezu täglicher Arbeit.
Fragen und Antworten
Der Auftrag
Der Auftrag lautete, etwas Einzigartiges und dem Gebäude, seiner Funktion und seinem Umfeld Angemessenes zu gestalten. Meine ersten Gespräche fanden mit den Architekten von Threesixty Architecture in Glasgow statt. Das Kunstwerk sollte vom Boden bis zur Decke reichen — 10 m × 1,8 m — und etwas Kraftvolles und Unverwechselbares sein. Die ersten Überlegungen gingen in Richtung Buntglas. Ich dachte jedoch an einen anderen Ansatz.
Inspiration
Ich konzentrierte mich auf eine abstraktere Herangehensweise und auf den gezielten Einsatz des Materials. Mich faszinierte die Tatsache, dass dieses Fenster nach Süden ausgerichtet war und das Licht durch das Glas fallen würde. Das Licht würde sich auch von der Wasseroberfläche des Cromarty Firth spiegeln, und Bäume könnten einem statischen Kunstwerk Bewegung verleihen. Das sich ständig wandelnde schottische Licht verleiht dem Fenster eine gewisse Dynamik.
Die Farben des Whiskys und der Umgebung waren von großer Bedeutung. Als ich das erste Mal vor Ort war, hatte der Bau noch nicht begonnen — die CGI-Visualisierungen von Threesixty Architecture erwiesen sich daher als äußerst inspirierend und nützlich, da sie es mir ermöglichten, quasi direkt im fertigen Gebäude zu arbeiten. Das gab jedem gestalterischen Ansatz sofort ein Gefühl für den Maßstab. Auch die Funktion des Brennhauses, die Hitze und die dort ablaufenden Prozesse flossen in mein Denken ein.
Ich arbeite nicht nach einer festen Methode. Viele meiner Kollegen haben einen erkennbaren „Stil" in ihren Arbeiten — ich tue das bewusst nicht. Jedes Projekt ist eine einmalige Gelegenheit, etwas Neues zu schaffen. Ich habe immer versucht, die Grenzen des Materials, das ich verwende, auszuloten und etwas zu finden, das dem jeweiligen Auftrag entspricht. Meistens — und bei diesem Projekt ganz besonders — weiß ich beim Entwerfen noch nicht, wie ich das Entworfene umsetzen werde. Ich vertraue dabei auf mein Verständnis des Materials.
Methodik
Sie bezeichnen sich selbst als „Glasmaler" — was bedeutet das in der Praxis?
Ich habe den alten Begriff „Glasmaler" bewusst gewählt. Er verbindet meine Arbeit mit einer Tradition, die Jahrhunderte zurückreicht — zu den großen Fenstern der mittelalterlichen Kathedralen. Ich wollte mich von den kunsthandwerklichen Assoziationen lösen, die sich um das architektonische Glas angesammelt hatten, und mich an einem älteren und anspruchsvolleren Ort verorten. Dieses Projekt ist noch mehr wie echte Glasmalerei. Ich schiebe das zerkleinerte Glas mit einem Pinsel hin und her.
Wie gehen Sie mit Licht als Material um — ist es etwas, das Sie kontrollieren oder mit dem Sie zusammenarbeiten?
Eine schöne Frage — zusammenarbeiten oder kontrollieren. Oft hängt es vom Standort des Projekts ab, aus welcher Richtung das Licht hauptsächlich einfällt. Ein nach Norden ausgerichtetes Fenster hat ein gleichmäßigeres, konstanteres Licht, während ein Ostfenster das Morgenlicht empfängt, ein Südfenster das volle Nachmittagslicht und ein Westfenster das Abendlicht. Das bestimmt den Ton der verwendeten Farben sowie die Ätz- und Maltechniken. Man muss also immer mit dem zu erwartenden Licht zusammenarbeiten. Außerdem stellt sich die Frage: Soll das Licht auf der Glasoberfläche ruhen oder hindurchprojiziert werden? In gewissem Sinne beides: Man kontrolliert das Licht bis zu einem gewissen Grad — aber man arbeitet immer auch mit ihm zusammen.
Wie verläuft Ihr Prozess vom Konzept bis zur Installation — beginnen Sie mit Zeichnungen, Modellen oder direkt im Material?
In der Regel beginne ich auf Papier oder heutzutage häufiger auf einem iPad. Wie bereits erwähnt, ist es sehr wirkungsvoll, direkt in einer CGI-Umgebung zu arbeiten oder einen virtuellen Raum zu erschaffen. Das Material kommt nach dem Entwurf. Erst wenn der Entwurf steht, überlege ich, wie ich ihn umsetzen werde.
Wie verändert das Arbeiten im architektonischen Maßstab Ihr Denken im Vergleich zu autonomen Kunstwerken?
Der Großteil meiner Arbeit findet im architektonischen Maßstab statt und basiert auf Auftragsarbeiten. Wenn ich autonome Werke schaffe, haben sie meist einen Bezug zu einem Projekt. Gelegentlich gebe ich mir selbst einen Auftrag. Auftragsarbeiten schärfen mein Denken und führen mich in Bereiche und Themen, die ich von mir aus nicht in Betracht gezogen hätte. Das liebe ich — und das ist es, worin ich gut bin.
Material & Technik
Welche spezifischen Techniken oder Materialien haben Sie für das Dalmore-Werk verwendet?
Nachdem der Entwurf vorläufig mit den Auftraggebern abgestimmt worden war, begann ich, die beste Methode für diesen Entwurf und diesen Standort zu erforschen. Im Laufe der Jahre habe ich eine enge Beziehung zur Bullseye Glass Company aufgebaut. Das von ihnen produzierte Glas lässt sich zusammenschmelzen — fusinieren. Andere Gläser würden dabei brechen. Ich hatte dieses Material über zehn Jahre lang verwendet und verschiedene Methoden entwickelt und erforscht, die ich äußerst faszinierend fand. Ich hatte dieses Material bereits eingesetzt, um plastisch geformte Reliefarbeiten sowohl in Europa als auch in Kenia herzustellen. Die Glasarbeiten für die Kathedrale in Kenia wurden alle aus Bullseye Glass gefertigt.
Für dieses Projekt entwickelte ich eine Methode, bei der zerbrochenes Bullseye-Glas — sogenanntes Frit — verwendet wird, um eine Art Glasspitzenstruktur zu erzeugen, die ich anschließend auf Flachglas fusionierte. Der endgültige Entwurf, obwohl vollständig abstrakt, wurde zu einer Art Erkundung des Whiskyherstellungsprozesses, wobei die zentralen Elemente die im Brennhaus ablaufenden Prozesse darstellen. Der obere Bereich wurde zu einer Darstellung des Reifungsprozesses des Whiskys, wie er Farbe und Intensität entwickelt. Das oberste Paneel thematisiert die Aromen und Düfte des Whiskys in dem Moment, in dem der Geist auf die Luft trifft.
Wie verhält sich das Glas in einer arbeitenden Destillerie — angesichts von Licht, Hitze und Bewegung?
Das Glas ist in dieser Umgebung unproblematisch. Man muss über 600 °C erreichen, bevor es sich zu verändern beginnt.
Gab es technische Einschränkungen, die den endgültigen Entwurf beeinflusst haben?
Es gab keine wesentlichen technischen Einschränkungen — außer einer natürlichen Begrenzung der Größe der einzelnen Paneele.
Erzählung & Symbolik
Erzählt das Fenster eine bestimmte Geschichte oder ist es eher als abstrakte Erfahrung gedacht?
Wie bereits erwähnt, wurde das Fenster zu einer Erkundung der Whiskyherstellung — beginnend an der Basis mit einer abstrakten Darstellung des „Terroirs". Im Aufsteigen durch das Fenster deutet es auf die wachsende Gerste und die Vorbereitung der Maische hin. Der zentrale Fokus des Fensters ist die Destillationsphase, die einen Übergang von einem Stadium zum nächsten zeigt. Darüber folgt die nächste Trennung: die Reifung. Dieser Bereich zeigt, wie die Flüssigkeit von einer hohen, farblosen Flüssigkeit in eine viel tiefere Farbe übergeht. Ganz oben werden die Düfte und Aromen in Glasjuwelen angedeutet.
Gibt es verborgene Bezüge oder Details, die sich erst im Laufe der Zeit erschließen?
Es gibt kleine Feinheiten — etwa die Glaskiesel im untersten Bereich, die die Symbolik des „Terroirs" verstärken. Im Reifungsbereich, weit oben im Fenster, finden sich schmale Farbstreifen, die auf die im Whisky zu entdeckenden Aromen anspielen. Die kleinen Juwelen an der Spitze repräsentieren die verschiedenen Düfte und Geschmacksnoten — und sogar jenen wunderbaren Begriff des „Angel's Share" — schwebend in einem Geflecht aus blassem Bernstein.
Wie verändert sich das Werk im Laufe des Tages mit dem wechselnden Licht?
Das Werk verwandelt sich bisweilen innerhalb von Sekunden, wenn sich das Licht verändert. Das Fenster hält das Licht. All die kleinen Fritstücke bilden kleine Linsen, die Lichter und Schatten erzeugen, die auf das wechselnde Licht reagieren. Auch die Bewegung von Ästen und Wolken erzeugt eine gewisse visuelle Bewegung im Glas.
Dalmore im Kontext
Wie haben Sie die Identität von The Dalmore interpretiert — sein Erbe, seine Positionierung im Luxussegment und sein Handwerk?
Diese Frage enthält bereits ihre eigene Antwort — was ich hier zu schaffen versucht habe, ist ein Fenster, das selbst Teil des Erbes wird. Es ist einzigartig und originell. Durch den Maßstab des Werks wird es zu etwas, das nicht Teil des Alltags eines Menschen sein kann. Das hat Dalmore von mir verlangt — und das habe ich versucht zu geben.
Sehen Sie Parallelen zwischen der Glasherstellung und der Whiskyherstellung?
Beide sind transformative Prozesse. Man beginnt mit Rohmaterial — Sand bzw. Silizium für Glas, Gerste und Wasser für Whisky — und gelangt durch die Anwendung von Hitze, Zeit und präzisem Wissen zu etwas völlig anderem. In beiden Fällen muss der Macher wissen, wann er einzugreifen hat und wann er zurücktreten sollte. Es gibt auch diese Idee des unwiderruflichen Moments. Sobald Glas eine bestimmte Temperatur erreicht, tut es, was es tut. Der Destillateur kennt dieses Gefühl ebenfalls.
Welche Rolle sollte Kunst in Luxusbrennereien heute spielen?
Die großen Fenster Europas wurden von der Kirche und von wohlhabenden Kaufleuten ermöglicht, die verstanden, dass Schönheit es wert ist, bezahlt zu werden. Dass das Geschaffene mehr ist als die Summe seiner Teile. Ich glaube, wir erleben etwas Ähnliches heute bei bestimmten Luxusmarken. Dalmore hatte den Mut, etwas wirklich Ehrgeiziges in Auftrag zu geben — und nicht nur etwas Dekoratives. Das ist bedeutsam. Es sagt etwas darüber aus, wie sie sich selbst sehen und was sie ihren Besuchern bieten wollen. Dass Kunstwerke mehr Wert schaffen, als sie kosten, ist heute weithin anerkannt. Ich hoffe, andere Marken hören hin.
Blick auf die Karriere
Sie haben Gedenkfenster und Werke im Kathedralenmaßstab geschaffen — wie ordnen Sie diesen Auftrag ein?
Ich liebe es, Auftragsküinstler zu sein — das ist das, was ich am besten kann. Ich schaffe Kunstwerke für bestimmte Orte und Umgebungen. Dieser Auftrag ist ebenso bedeutsam wie jede andere Arbeit, die ich je geschaffen habe. Ich liebe den Standort und das Licht. Ich liebe die Tatsache, dass es die Optik des Raumes dominiert, die Art, wie es Licht in den Raum wirft und sich im Kupfer der Brennblasen spiegelt.
Werden Aufträge von Luxusmarken zu einer neuen Form des Mäzenatentums für Künstler?
Ich denke schon. Die Kirche, die Zünfte, die großen Kaufmannsfamilien — sie alle verstanden, dass die Vergabe von Kunstaufträgen ein Akt der Identitätsstiftung ebenso sehr war wie ein Akt der Großzügigkeit. Was Dalmore hier getan hat, fühlt sich wie Teil derselben Tradition an. Sie haben keine Dekoration gekauft — sie haben eine Aussage darüber gemacht, wer sie sind und was ihre Besucher verdienen. Das ist Mäzenatentum im wahrhaftigsten Sinne.
Was zieht Sie zu Projekten, die so stark an einen Ort und eine Architektur gebunden sind?
Auftragsarbeit schärft mein Denken und führt mich in Bereiche und Themen, die ich von mir aus nicht in Betracht gezogen hätte. Das liebe ich. Jeder Ort hat sein eigenes Licht, seine eigene Geschichte, seine eigenen Anforderungen. Das ist es, was die Arbeit lebendig hält.
Das fertige Werk
Was soll ein Betrachter in den ersten zehn Sekunden beim Anblick des Fensters empfinden?
Ich möchte, dass der Betrachter innehält. Nicht über Glas oder Technik oder gar Whisky nachdenkt — sondern einfach für einen Moment von etwas festgehalten wird, das er nicht erwartet hat und noch nie zuvor gesehen hat. Diese Pause ist der Ort, an dem das Kunstwerk beginnt.
Und was soll bei ihm bleiben, nachdem er gegangen ist?
Ich möchte, dass die Besucher das Gesamterlebnis des Kunstwerks und des Aufenthalts in diesem wunderbaren Architekturraum mitnehmen. Dass Dalmore ein besonderer Ort ist — um Fotos vor dem Fenster und neben diesen beeindruckenden Brennblasen zu machen, diese weithin zu teilen und die Erfahrung in guter Erinnerung zu behalten.
In welchem Moment haben Sie das Gefühl gehabt, dass das Werk „fertig" ist?
In gewissem Sinne ist das Glas fertig, wenn ich den letzten Brand durchführe — dann sind keine Änderungen mehr möglich. Aber im eigentlichen Sinne ist das Werk fertig, wenn es sich im Gebäude zu Hause fühlt. Als ich sah, wie meine Auftraggeber und die Architekten spontan reagierten — ohne Gerüst im Weg, das erste Mal wirklich sichtbar — das war der Moment. Genau das hatte ich mir gewünscht.